Ya hay primer trailer oficial de Suicide Squad

En el transcurso del pasado Comic-Con de San Diego 2015, se difundieron estratégicamente una serie de difusas filtraciones, rumores, leyenditas, vídeos oscuros, en torno al proyecto Suicide Squad (la película basada en los personajes de DC Comics) y la existencia de un hipotético trailer. Todo ello convirtió al título de Warner en la sensación del encuentro anual.

                        

El Escuadrón Suicida (en inglés Suicide Squad), o Task Force X, pertenece al universo de DC Comics. Tras varias peripecias, el vigente Escuadrón Suicida (creado por John Ostrander) formado por seres extraños, anti-héroes y villanos encarcelados. trabaja para el gobierno de los Estados Unidos, en misiones de alto riesgo para conmutar parte de sus condenas, y opera desde San Salvador bajo las ordenes del agente Joseph Banchon.

Una vez arrojadas las miguitas con maestría se dio vía libre al esperado avance en alta definición. Accidente o filtración, el resultado ha proporcionado gran satisfacción al departamento de marketing. La locura se ha desatado. Todo el mundo habla de las migas y especialmente de Jared Leto como la némesis de Batman.

La Comic Con nació como un congreso informal para aficionados de los cómics. Al llenarse las salas de cine de superheroes pronto amplió un espacio al cine y, en los últimos años, las series de tv han ganado un gran reconocimiento.Es un punto de encuentro con los fans e incondicionales. San Diego ha sido durante cinco días la capital mundial del cómic, el cine más espectacular y las series, con total entrega al protagonismo de los fans, encuentros con las estrellas y eventos en streaming para los que no pueden viajar hasta la ciudad californiana.

                              

El director David Ayer ('Vidas al límite', 'Sin tregua' o 'Corazones de acero') ha conseguido agrupar un casting apetecible:

Jared Leto es el Joker
Margot Robbie es Harley Quinn
Will Smith es Deadshot
Joel Kinnaman juega a Rick Flag
Jai Courtney es Boomerang
Cara Delevingne es Enchantress
Karen Fukuhara es Katana
Adam Beach es Slipknot
Jay Hernández interpreta a El Diablo
Viola Davis a Amanda Waller
Jesse Eisenberg a Lex Luthor

                                

David Ayer's SUICIDE SQUAD is in theaters August 5, 2016.

http://www.suicidesquad.com
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http://instagram.com/SuicideSquadMovie
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Muere Omar Sharif, Omar Dies

                                                       

Omar representó lo verdadero muy bien. Un pura raza. Un caballo de pelo negro azabache. Sudaba de verdad. La noble verdad. Su Doctor Zhivago evocará siempre la memoria del hombre bueno que se adapta a toda vicisitud. Todo vendrá por algo. Un arquetipo. Construirlos en la mente de todos, como hizo Gary Cooper, James Stewart, es misión de pocos.

Uno perdonará siempre europuddings y tv-movies de sobremesa. Siempre surgirá el contraste negro y sensato al loco proverbial Peter O´Toole, emergiendo de dunas lejanas, en un camello veloz que no le alteraba el mar templado de esos ojos del exótico Egipto, con un pulso infinito.

                                                         

Omar simuló un orgasmo, en connivencia con el genio de David Lean, en esa secuencia que es un prodigio del "fuera de campo" en Doctor Zhivago. La masacre en masa que perpetra la bestia comunista delante de sus ojos tan solo refleja en su rostro un temblor. Ese mismo actor que inocentemente correteaba pocas escenas antes tras un tranvía hasta alcanzarlo y encontrarse con Julie Christie, su antitesis rubia, de ojos transparentes. Y todo se digería suave. Omar amaba con lealtad su desierto. O su tundra siberiana. Maurice Jarre y la abrumadora melancolía del tema de Lara son Omar y Zhivago. Para siempre.

Un tal Michel Shalhoub nacido en Alejandría, en abril de 1932, hizo más de 100 películas. Eso es concebible. Imaginar que fueran 'Lawrence de Arabia' (1962), 'Doctor Zhivago' (1965) o 'Funny Girl' (1968), o que fuera nominado a un Oscar de la Academia de Cine y ganara tres Globos de Oro, solo puede ser fruto de una alucinación por ingesta de enteógenos.

                                                 

Omar hizo olvidar que esos ojos extraordinarios eran de un exótico árabe, de un gracioso morito, y ahí eran sólo de Omar que interpretaba junto a Ingrid Bergman, o Sofia Loren, o Barbra Streisand, o Sofia Loren, o Peter O´Toole, o Rod Steiger (qué pareja tan poderosa). Y que eso tuviera lugar hace tantas décadas es algo prodigioso. Superar esa brecha inmensa hasta formar parte natural de nuestro recuerdo fílmico (cursi) y darnos 'El señor Ibrahim y las flores del Corán' (François Dupeyron) sólo es propio de gigantes como él, o Anthony Quinn.

Este muchacho que dejó el negocio familiar en El Cairo para estudiar como ser actor en Londres jamás podría soñar que con tres instantáneas suyas se podrían retratar momentos legendarios de un siglo, de una era, de los que su tez morena resultaría una parte inseparable. Adios, Omar. 83 años de verdad.

Jaws, Tiburón, 40 aniversario, Spielberg

Primer ataque de Jaws

Tiburón. Jaws (mandíbulas). Se estrenó el 20 de junio de 1975. Cambió la forma de ver el mar para generaciones completas. Nadie puede escuchar ya ciertos acordes de violín sin un escalofrío. Nadar nunca será lo mismo. El terror es un pez. Han pasado 40 años. Y sigue presente el miedo al mar. Nacía la leyenda Steven Spielberg

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La historia puede parece de una gran simplicidad pero inauguró una forma apocalíptica de contemplar la furia de la naturaleza. En 1964 una noticia de un pescador de Long Island llamó la atención de periodista Peter Benchley. Sería la esencia de su primera novela. Ese pescador capturó sin buscarlo a un tiburón blanco tras una fiera contienda. Se trataba del aventurero Frank Mundus. Una visita por la hemeroteca le ofrecía otra noticia de 1916 con la que completar el trabajo: una serie de ataques de otra bestia, durante 12 días, esta vez en Nueva Jersey, dejó cuatro muertos.

Frank Mundus

La versión de las fatigas de Mundus que plasmó este escritor novato fascinó a Richard D. Zanuck y David Brown. Compraron los derechos por 175.000 dólares. Una fuerte inversión para ese momento. La novela, gracias a semejante venta alcanzó la fama y permaneció entre los mayores best sellers  durante 44 semanas. Todo en Jaws es exagerado. Desde su génesis hasta su permanencia durante más de dos años como la película mas taquillera de la historia.

Spielberg era un joven nuevo talento pero sólo destacó hasta entonces por su reconocida tv-movie El diablo sobre ruedas (Duel de 1971). En cine hizo una cosa disparatada, Loca Evasión, con Goldie Hawn. Universal optó por él tan solo por su tenacidad y porque se le cayeron las otras bazas. El muchacho, que de insolencia iba sobrado, odiaba el texto. Eliminó mil tramas y se puso del lado del animal salvaje. 

El trabajoso rodaje duró algo más de 4 meses. El plan de trabajo decía 55 días. Fueron 159. Eso, hoy, en un rodaje de una major es imposible. El muñeco del tiburón fallaba mucho y esa fue la causa de que Spielberg lograra lo mejor del metraje. Evitaba mostrarlo, enseñaba solo la aleta surcando las aguas, o su sombra perfilada, o multitud de puntos de vista del escualo. La histórica banda sonora de John Williams (bendito seas por siempre) hizo el resto.

Poster original de Tiburón

El 17 de septiembre de 1974 finaliza la filmación y el presupuesto refleja 9 millones de dólares de gasto. Mucho. Se recaudaron más de 430 millones y medio de dólares (en taquilla, sin incluir DVD, pases por tv, VOD, o los derechos de las taquilleras secuelas). La campaña publicitaria fue magnífica. El resto es historia. Iconografía del siglo XX. Mitos e imágenes dignos del análisis de Joseph Campbell, introducidos súbitamente en el imaginario colectivo. Yo tenía 10 años. No me gusta nadar en el mar.

Jurassic World, el cine vacío de miles de millones y el Motion-Capture

“Jurassic World” destrozó las taquillas con un fin de semana de arranque mundial de más de medio millón de dolares. El eje que sostiene todo este aparato huero es Industrial Light and Magic. La vanguardista empresa fundada por George Lucas aproxima a los adolescentes a una detallada experiencia, casi de videojuego, por medio de la técnica de la captura de movimiento (motion capture) en el diseño de los dinosaurios y, especialmente, de la raza genéticamente modificada que nace en este capítulo de la saga (seguramente la única actividad intelectual que incluye el guión): los Indominus rex. El paleontólogo Jack Horner, en el que se inspiró Spielberg para crear el personaje central, ideó este híbrido de "transgenic" monster. Nada más se aporta en todo el metraje, lleno de fantásticos encuadres, movimientos hacia el rostro del personaje en el archiconocido (marca de la casa) travelling spielbergiano, sentimentalismo ad hoc, temblor de cámara, ritmo endiablado, cabezas calientes en pick-ups cruzándose veloces y una historia reiterada hasta el hastío.

Su director, Colin Trevorrow (victima de la saga Jurásica en su adolescencia), proclama en WIRED un discurso naturalista en la corriente del ecologismo amable que dota de los elementos propios de un personaje a una bestia asesina, continúa con la teoría progresista que alienta el negacionismo de cualquier antropocentrismo (el hombre es un enano comparado con las bestias antiquísimas), caricaturiza a la industria y sus malvadas corporaciones de la ciencia perversa (no es comprensible que traten de destruir el mundo si ello no comporta beneficio económico pero deben ser científicos capitalistas tontos) y apela a la peculiaridad de este cine sentimental como suerte de revisión del clásico storytelling, palabra utilizada cuando hay que recubrir de modernidad el mas menesteroso de los vacíos.

Los actores pasan desapercibidos. Chris Pratt lo hace en todos sus trabajos. Es el Daniel Brühl de Minnesota. Bryce Dallas Howard, siempre deliciosa, también transita anónima y tan solo ha levantado una ridícula (falsa) polémica (gestada casi seguro por el departamento de marketing de product placement) por el calzado sexista (!!) que lleva su personaje en la película. 

El dolor de la risa. Cómicos con depresión

El suicida gracioso

Un director español de comedias de gran éxito (en míticas series de televisión y en tres películas, rara vez falla), me dijo que el mejor humor surgía de situaciones muy trágicas. Las grandes comedias se gestan al alterar, casi pervertir, nuestra mirada. Nos introducimos en la terrible vida de un verdugo, de gente luchando por un piso, de un suicida, de una delincuente, de un drogadicto, una puta o un par de parados y nacen historias de Berlanga, o Little Miss Sunshine, Marnie la Ladrona, Aida, Trainspotting, Rufufú ...

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El cómico tiene que poner otra lente. Y eso lo hace poca gente. Si se es un ser atormentado, con tendencia a observar esas situaciones, el creador puede quedarse ahí abajo, rumiando doliente. Tiene que poseer una mirada educada hacia lo insólito, lo grotesco e inesperado. Es un humor que nace tras llorar un poco, tras sentirse solo, aislado en el drama. Dicen los expertos que la comedia motiva a estos observadores por el poder sanador de las risas del espectador. Cuando muere un padre, al salir a la calle, choca la sensación de que el mundo sigue sin reparar en el dolor propio. ¿Cómo pueden sonreír, comprar, pasear? Y se continua con la paulatina inmersión en la multitud, el unirse a la pulsión del mundo, que hace que el duelo sea mas leve, incorporándonos a esa corriente eterna que es la vida. Para eso existen los funerales, los pésames. Son ritos. La comedia es el pasaporte de estos delicados seres ante la devastación que el mundo les proporciona con cada paso en la vida. Es su gran rito. Es su modo de retornar a "lo normal", de encontrar la salvación, aunque ellos saben que la vida es la mayor ficción (la comedia es un truco tras otro) y que lo mas verdadero que sienten es innombrable, es lo oscuro.

Robin Williams se suicidó el 11 de Agosto de 2014

"Robin Williams had been on and off meds his whole life. I could sense in him as we spoke at length on the phone that this was a subject that he wanted to talk about; the brain of the comedian and the ego and the sensitivity of that performer. Talking in length to me about it – and it's startling that it's a subject that for the most part has gone undiscussed in the public forum – he seemed excited for this opportunity for fans to peel back the curtain and find out just what the hell is under there."

El suicidio de Robin Williams, un hombre cuyo humor siempre se movió en el terreno de la más afable honestidad, que educó a una generación completa de niños estadounidenses, devastó el corazón del mundo entero. La revisión de su humor más afilado no ofrecía ningún indicio de su tormento interior. Su trabajo podía gustar o no, pero estimulaba a vivir. Surge entonces la gran pregunta. ¿Cómo no pudimos jamás sospecharlo? Pero muchos saben bien el porqué. Como lo supieron en marzo, cuando los detalles clínicos del piloto de un vuelo de Germanwings, siniestrado en marzo en los Alpes franceses, mostraban que trataba su enfermedad de forma oculta. Es el estigma. La mácula. La cruz.

Kenneth Williams: "I certainly wouldn't call myself a happy human being. All the comedians I've ever known have been deeply depressive people, manic depressive. They keep it at bay with this façade."

Tras la muerte de Williams muchos cómicos se han sincerado. Y muchos desenlaces ya olvidados han cobrado actualidad, como el suicidio de Tony Hancock, el de Freddie Prinze Sr en 1977, el terrible final de Lenny Bruce o las vida extremas de John Belushi, de Fatty Arbuckle, de Chris Farley. Incluso Stephen Fry ha dado detalles de su enfermedad bipolar. Pero en el caso del cómico no se puede caer en la generalidad del vínculo entre creatividad y desorden. Porque lo supera. 

Rodney Dangerfield

“My life is nothing but pressure. All pressure. This pressure is like a heaviness. It’s always on top of me, this heaviness. It’s always there since I’m a kid. Other people wake up in the morning, ‘A new day! Ah, up and at ’em!’ I wake up, the heaviness is waiting for me nice. Sometimes I even talk to it. I say [adopts cheerful voice] ‘Hi, heaviness!’ and the heaviness looks back at me, [in an ominous growl] ‘Today you’re gonna get it good. You’ll be drinking early today.’”—Rodney Dangerfield, No Respect

Existen muchos otros casos de cómicos cuya maltrecha psique contrasta extraordinariamente con la percepción que el público tiene de ellos. Las memorias de 2004 del gran Rodney Dangerfield  (It’s Not Easy Bein’ Me: A Lifetime Of No Respect But Plenty Of Sex And Drugs) sorprendieron por su tremenda carga de tristeza. Cuenta que en una ocasión rechazó una invitación para cenar con su ídolo máximo, el gendario Jack Benny: “La verdad es que no fui porque sabia que no podía ser yo mismo con  Jack Benny. Tenía que interpretar. ¿Puedes imaginarme diciendo a Jack Benny, ‘Tio, estoy tan jodidamente deprimido. Estoy tan superado por esta mierda?’”

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You were seventeen yesterday. You’ll be fifty tomorrow. Life is tough, are you kiddin’? What do you think life is? Moonlight and canoes? That’s not life. That’s in the movies. 

Life is fear and tension and worry and disappointments.

Life. I’ll tell ya what life is. Life is having a mother-in-law who sucks and a wife who don’t. That’s what life is. 

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Sarah Silverman es otro caso de cómica muy sorprendente. Una mujer famosa por sus celebradas intervenciones en SNL, de sangre judía, inteligente, irreverente y hasta zafia (obscena la llama afectuosamente la reina DeGeneres) que se maltrata grotescamente (con un rostro precioso y un físico espectacular) como si no fuera mas que un marimacho. Para ella es mas fácil querer a un perro que a una persona porque en los ojos de un animal "no ve todo lo que odia de si misma".

Owen Wilson intentó hace unos años suicidarse. Woody Allen acuñó la expresión “tears of clowns” aunque con su distancia habitual tomada hasta el extremo no ve epculiaridades en los cómicos. David Letterman, ya en retirada, confirma que los antidepresivos le salvaron la vida ("it's the world with 20/20 vision."). Larry David, Steve Coogan y otros cómicos compartieron sus historias de depresión en un documental dirigido por Kevin Pollak (Misery Loves Comedy) en el que desarrollan un tópico como es la necesidad de aceptación, de consuelo. El actual rey de la comedia, Judd Apatow, productor de Knocked Up, Bridesmaids y la serie de  HBO Girls, admite en el metraje que se metíó piedras en la nariz para hacerse pasar por una maquina tragaperras solo para recibir atención. 

"I'm paraphrasing, but Friends actor Matthew Perry told me during filming, 'Comedians don't have a franchise on misery and loneliness.' But they do have a pretty good corner on the market." Kevin Pollack

La cómica más bonita, Sarah Silverman

La necesidad enfermiza de acceder a esa fuerza sanadora, redentora, que es la carcajada del público, su favor afectuoso, tiene su otro lado. Es la ineludible obligación de estar siempre despierto, más despierto que nadie en la sala, sutilmente conectado a la respuesta precisa que en cada actuación requiere una audiencia distinta, aunque esté compuesta de las mismas personas. En una gran actuación el cómico se expone. Representa sus dramas y sus fobias, desnudas. Puede ser un perfecto acto de psicoanálisis o una demencial exhibición de cada genuino dolor.

Jim Carrey, el mago de la cara de goma, el imitador hiperactivo de humor físico (hace comedia con las rodillas, las caderas...), lleva actuando desde los 16 años. Padece depresión. En el año 2004, durante el programa 60 minutes, al ser preguntado por el origen de semejante despliegue de diversión pura, contestó: "La desesperación". Ha transitado del Prozac a la espiritualidad. 

Poca gente puede presumir de una carrera tan llena de éxito en la comedia como Conan O’Brien. En la promoción de Conan special from Cuba, Conan O’Brien se detuvo en The Howard Stern Show y repasó toda su carrera, desde que escribía en la facultad hasta SNL y The Simpsons y el rediseño de su TBS show. O’Brien sacó a la palestra sus problemas con la depresión, la ira y la ansiedad desde su primera etapa en el NBC late night, y de cómo la pérdida del Tonight Show fue devastadora. 

Cuenta que siempre envidió la capacidad del legendario Johnny Carson de pasar desapercibido fuera de su show. No tenía conciencia de si mismo lejos del estudio, en una fiesta, en un evento ajeno a su show. Algo que siempre desgasta a los cómicos en su afán de satisfacer las expectativas de su audiencia. Uno de sus mejores amigos (se conocen desde que compartían casa en Harvard con Jeff Zucker) es el cura católico Paul O’Brien (no son familia), parroco en St. Patrick's Parish en Lawrence, Massachu­setts. Tal vez eso le ayude...

"Socially, he doesn't exist. The reason is that there are no television cam­eras in living rooms. If human beings had little red lights in the middle of their fore­heads, Carson would be the greatest conversationalist on Earth." 

Kenneth Tynan sobre Johnny Carson.

Maria Bamford

Otras celebres depresivas son Maria Bamford y la gran estrella Ellen DeGeneres. María tiene 43 años y es una (stand-up) cómica que centra gran parte de sus actuaciones en lo que los americanos llaman el self deprecating. Es decir, en la autocrítica, en tirarse por tierra. Su humor es inteligente, raro y asusta, como dice el New York Times. Se ríe de su ansiedad, de la depresión. Sufre un tipo de desorden vinculado al Trastorno obsesivo compulsivo (OCD) llamado "unwanted thoughts syndorme". Hace chistes. Parece que sufre mucho.

Ellen es una megastar. En 1997 DeGeneres salió del armario junto a su personaje. Supuso, por un tiempo, su hundimiento. Y todo fue a peor con su noviazgo con la extraña Anne Heche. Durante tres años anduvo desorientada, enfadada, sin trabajar. Deprimida. Pero su caso se aleja del resto. No está tan unido a la condición de cómica como a sus conflictos con la opinión pública, su sexualidad, etc.

“Nothing happened: I had no traumas in the family, nobody died. I never missed a meal. Everything was fine. I think the trauma was that I realised: my God, this ends! It comes to a point where one day you vanish. You totally vanish for ever. You’re gone. Period.” Woody Allen.

El maestro de la comedia italiana Mario Monicelli

El director de la obra maestra de la comedia de 1958, citada al inicio, Rufufú (Il soli ignoti en Italia y Big Deal on Madonna Street en USA) el cineasta italiano Mario Monicelli, gran maestro de la comedia italiana (curiosamente el protagonista, Vittorio Gassman era otro genio sumido en tremendos periodos de depresión ), decidió en noviembre del 2010 al llegar a los 95 años, enfermo de cáncer terminal de próstata, que ya no existía sitio para la comedia en este mundo tumultuoso, que había que buscar nuevos escenarios, nuevos textos, y se tiró por una ventana del quinto piso del Hospital San Juan de Roma donde le estaban tratando. Una muerte elegante. De gran cómico. 

Gracias por tanto. Gracias a todos. 

The Martian

Ay, Ridley Scott...

En el trailer se puede ver de The Martian, junto al protagonista Matt Damon, a Jessica Chastain, Chiwetel Ejiofor, Jeff Daniels, Donald Glover, Kate Mara, Kristen Wiig. Un reparto importante.

La película desarrolla, en ese gusto de Scott por el concepto sci-fi ya visto en Prometeus, el libro de igual título de Andy Weir. Se cuenta la historia de Mark Watney, astronauta integrante de una misión a Marte que, tras una tormenta queda abandonado. Al igual que ocurre con el personaje de Damon en Interstellar, le dan por muerto. Con suministros para un mes, Watney logra comunicarse con la tierra. La frase "I'm going to science the shit out of this planet" estará en muchas camisetas si todo va bien.

En Wired creen que Ridley Scott parece haber despertado de la siesta en la que lleva sumido desde 2005 con Kingdom of Heaven hasta Exodus: Gods and Kings. Solo mereció la pena American Gangster en 2007. ¿Puede el hype devorar la película?

What is Cinematography?

¿Es dificil hacer cine?

EL Director Mike Symonds da unas selectas pistas sobre como articular el lenguaje cinematográfico.

Durante un siglo completo la transmisión de este conocimiento se ha negado a los mortales salvo a unos pocos escogidos. Hoy un niño con un Iphone mejora el travelling spielbergiano en un triciclo. La democratización del proceso y la sencillez del proceso no ha aportado grandes títulos, novedades, avances narrativos ni nada de gran provecho. 

La aparición del niño genio Steven Andrew Soderbergh en 1989 con la sorprendente idea de Sex, Lies, and Videotape (que escribió en ocho días) o la de otro imberbe en el 2000,  Christopher Nolan con la inteligente historia de Memento fueron solo un espejismo. EL cine es cada vez mas fácil de filmar y ve pasar los días con mas dificultad para sobrevivir.     

  

Francis Ford Coppola y Orson Welles

En la vida nos gusta comparar. Es la manera de poner a nuestra grotesco alcance a los grandes, los inasibles. Cristiano o Messi. Tesla o Edison. Lewis o Owens. Leon o Fedor. Con la concesión del Princesa de Asturias para Francis y el centenario del nacimiento de Orson las mentes ociosas se plantean el duelo.

Un pomposo plumilla de El Mundo de nombre JORGE BENÍTEZ  se atreve a mentar a Dioses sin lavarse la boca con lineas como estas: 

"Coppola vivió la megalomanía y la supernova cocainómana de su generación en el Hollywood de los 70 que casi se llevó por delante a su generación. Quiso ser Orson Welles y retomó el proyecto de 'El corazón de las tinieblas' -libro que, como 'El Quijote', parecía maldito- y se marchó a Filipinas a rodar una versión psicodélica llamada 'Apocalypse Now'."

Una humillación para un heroico diario como El Mundo y con afición en mentar la droga cada poco. Deben tener información próxima. He trabajado con unas cuantas leyendas y es una dolencia que nunca pude constatar como para editarlo en un diario nacional.

Orson era El niño prodigio de Kenosha. Pero como dice atinadamente GREGORIO BELINCHÓN:

"si hay algo más grande que la obra de Orson Welles es la vida de George Orson Welles".

La obra mas hipnótica que he conocido ha sido El Padrino I y II. Y muchas partes de Apocalypse Now. No puedes dejar de mirar. La narrativa te come, te deja soldada la retina a esa luz con sombras. Algo tan fuerte, pero con una carga mas apolínea que demoníaca, menos pop y más intelectual, ocurre con El extraño o Sed de mal. Orson Welles debería haber nacido con los De Palma, Lucas, Spielberg, Scorsese, Schrader, Millius, Cimino.

La censura de las grandes corporaciones que devastó a Welles fue combatida en masa por esta generación. Orson fue díscolo (ay aquel proyecto de Brasil...) pero en los 70 hubiera sido la ninfa, la virgen clasicista, rodeada de salvajes. Orson se acostumbró a decir que dirigir era el trabajo mas fácil del mundo. No supo luchar contra los contables. Coppola se enseñoreó tanto de menospreciar y tomar por asalto esa parte del negociado que casi pierde la cordura en Filipinas. Su esfuerzo colosal puso en jaque su salud, sus propias finanzas. Pero qué resultado...

Orson vino a Europa persiguiendo su sueño clásico, su Don Quijote, su Cirano. Y ese pudo ser su error. Él se quejaba del montaje que hizo la Major de El cuarto mandamiento. A mi me resultó un título prodigioso. Aquí, en la vieja, clasicorra y lánguida Europa se amansó. Su Tercer Hombre es una tremenda joya. Y, a pesar de las presiones, o tal vez por ellas, todo merecía la pena. Ese era el juego a seguir. Le confesó a Peter Bogdanovich que pasó mucho más tiempo buscando dinero que haciendo cine. No supo pasar esa transición del autor al tahúr que se exigía para un cineasta. En Europa sentía un respeto hacia su torre de marfil. En América todo eso te hacía mas fuerte y se convertía la torre en un tanque. El periodo de domesticación que hoy vive Coppola llegó a Welles a una edad mucho mas temprana. Orson se sentía un artista puro, no un financiero; Francis reconocía en todas las facetas del cine el olor del napalm que acompaña cada negociado de este trabajo infernal. Y lo adoraba. 

Del mismo modo, sin Europa y su modus operandi no nacerían maravillas como Macbeth Otelo, o Campanadas a medianoche. Algunos tenemos esa peregrina idea de que Welles se refugió en los toros, experimentos, gastronomía y que Coppola lo dió todo hasta quedarse como su personaje Jack (Robin  Williams) vacío. En esa discretísima historia hay mucho de Francis. De la efímera creación que es la vida en la que las estrellas más espectaculares, más luminosas, tienen la existencia mas corta. Welles puede que no lo supiera. En fin. Cábalas y tonterías. Aunque con más respeto que el periodista de El Mundo. Paradójicamente, Lucas y Spiel b erg prefirieron rescatar al bueno de Kurosawa antes que la inconclusa de Welles. 

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• Jean Cocteau escribió: “Orson Welles un gigante con rostro de niño, 
• un árbol lleno de sombras y de pájaros, un perro que ha roto la correa 
• y se ha ido a dormir a un macizo de flores. Es un vago activo, un sabio loco y 
• un solitario rodeado de humanidad”. 

Francis Ford Coppola, Premio Princesa de Asturias de las Artes. EL PAÍS‎ 

Francis Ford Coppola: una bestia para la Princesa de Asturias. El Mundo‎ 

Coppola, la tragedia de un genio que ya está para homenajes y caldos. 

Tema del traidor y del héroe. Boyero, Borges y Philby

Hace unos días, con motivo de la reseña del libro Un espía entre amigos que escribió Carlos Boyero, salió a colación en su título "¿Tema del traidor o del héroe?" la creación de Jorge Luis Borges, mi adorado antepasado.

El número 112 de la revista Sur, de 1944,  dio a conocer el cuento del que nace la expresión, el ya célebre argumento. Con su deambular típico, lleno de juego hermético y falsario, el mítico ciego recuerda que ha sido imaginado 

«bajo el notorio influjo de Chesterton (discurridor y exornador de elegantes misterios) y del consejero áulico Leibniz (que inventó la armonía preestablecida)» y que faltan «pormenores, rectificaciones, ajustes; hay zonas de la historia que no me fueron reveladas aún».

El cuento narra la historia del imaginario héroe revolucionario irlandés Fergus Kilpatrick. Ryan, uno de sus descendientes, descubre que su pariente fue condenado como traidor, pero que, para que la causa de la rebelión no quedara mancillada, muere interpretando como héroe La tragedia de Julio César de William Shakespeare, "a manos de un asesino desconocido, en circunstancias deliberadamente dramáticas, que se grabarán en la imaginación popular y que apresurarán la rebelión".

Según el crítico, "Antes de la revolución" es una suerte de adaptación al cine dirigida por Bernardo Bertolucci. Según otros expertos, en 1970, Bernardo Bertolucci llevó al cine la adaptación del cuento de Borges en La estrategia de la araña. Boyero tiene estas cosas...

Trasladó la historia de Irlanda a Tara, un enigmático pueblo de Italia, adonde llega Athos Magnani, hijo de un héroe de la resistencia antifascista asesinado en 1936, cuyo nombre es recordado en la estatua que se levanta en la plaza del lugar.

Carlos sigue narrando su opinión y glosa asilvestrada de Un espía entre amigos y pude percibirse el enamoramiento del crítico con la figura perversa, inteligente, elegante, del gran espía bebedor Kim PhilBy.  Británico hasta el tuétano y como típico homosexual de la aristocracia intelectual, topo de la KGB. Ben Macintyre, como Boyero, querrían ser hijos de Eton, espectadores de regatas en Oxford, lacónicos perdedores de criquet, catadores de esos Scotch.

Mad Max: Fury Road

                         

Otra espectacular aportación a la saga, más cercana que nunca al comic salvaje. Atrae la dureza del rostro de Tom Hardy, pero a veces Tom cansa. Logra la fórmula, aunque no del todo, en  La entrega. En un título totalmente desapercibido de 2011 resultó fascinante su recreación del niño doliente y rescoroso que deviene violento guerrero. Es Warrior.

Charlize Theron, en esa sempiterna fatiga por parecer fea, sacrifica su melena. Es una actriz decente. No excelsa. Pero ¿quien lo quién lo quiere? Espera todo el mundo el desenlace. Nunca la historia mejoró el primer título, apocalipticamente australiano.

Mad Max fue una película australiana sorprendente de acción-ciencia ficción de 1979 dirigida por George Miller y protagonizada por un jovencísimo Mel Gibson. Mad Max: Fury Road, parece una  película de acción AÚN más post-apocalíptica y ha sido dirigida de nuevo, producida y co-escrita por George Miller, y la cuarta película de la franquicia Mad Max. Está protagonizada por Tom Hardy como Mad Max, junto a Charlize Theron y Nicholas Hoult. Está programada para ser estrenada el 15 de mayo de 2015.

El fin del cine

El teatro lleva falleciendo como un leño, viejo y saludable, desde hace mas de un siglo. El cine se ha unido a ese lacónico ateneo. La gran diferencia reside en el elemento técnico. El teatro se sostiene en la carne del intérprete. En el cine ya no hay ni carne ni intérprete. Muestra de ello es que los videojuegos superan desde hace años la recaudación del carpetovetónico filmete.Es la tendencia. El fin de la narración humana como se conoció hasta hoy.

El cine sufre las mismas paradojas (junto al teatro) de la clase media. Es la que sostiene todo, pero camina ya herida de muerte. Las producciones (pasa ya en todo el mundo) son de presupuesto mínimo o estrafalario. Los proyectos elefantiásicos ya tienen reservadas las pantallas del mundo, cada vez menos. Los diminutos solo tienen futuro si los apoya internet, una virgen, un milagro como Magical Girl (Jonas Trueba transitaba como un menesteroso con las copias de su meritoria Los ilusos de salita en salita). 

Evolución cine español

En las listas del Ministerio aumentan los títulos producidos hasta el 2013. Pero ya se unen a esa estadística hasta películas "filmadas" con Iphone o Go-Pro, o las que no pagan a nadie. El coste medio de un filme cae por sexto año consecutivo y solo el 9% tiene un presupuesto "alto". No sé que entenderá Fapae por alto... Este año, a 15 de abril, el número de largometrajes españoles producidos ha descendido un 20%.

                                                            

Dice Colom que se han producido 55 largometrajes, de los que 12 son coproducciones con otros países, 27 documentales y una película de animación, y se han rodado 32 películas. El presupuesto medio actual se ha situado en los 1,2 millones de euros, mientras que en 2009 era de 3 millones. Solo el 9,4% de los rodajes iniciados en 2015 cuenta con un presupuesto alto -de entre 3 y 5 millones de euros- y un 3,1%, con uno muy alto -más de 5 millones-. Con esos cinco millones, para dos episodios de Boardwalk Empire, ni se sientan a charlar.  

La narrativa cinematográfica solo se sostendrá en la memoria de las nuevas generaciones a través de las series de televisión. La corta capacidad de concentración (o la cualidad de poder atender a varias materias simultaneamente) permite que el producto a la carta sea el apeadero de los nuevos watchers, que dicen los hipsters analistas. El cine ha envejecido tanto que ya solo llegará a las casas en promociones de fin de semana del periódico, o en pirateria. Solo servirá el productor capaz de emitir para medio mundo. El mercado local es la ruleta rusa. Recen todo lo que sepan. Ah, no. Que son ateos.

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